Mitwirkende

künstler*innen

Megan Cope ist eine Quandamooka aus North Stradbroke Island im Südosten Queenslands. Ihre ortsspezifischen, skulpturellen Installationen, Videoarbeiten und Gemälde erforschen Fragen der Identität, der Umwelt und der Kartierungspraxis. Oft widersetzen Copes Arbeiten vorgeschriebene Begriffe der ‚Aboriginalität‘ und werden dadurch zu Psychogeografien, die die ‚große Erzählung‘ von ‚Australien‘ sowie Verständnisse der Zeit und des Eigentums in dem kolonialen Siedlerstaat hinterfragen. Zuletzt waren ihre groß angelegte, skulpturelle Installationen Teil von drei wichtigen nationalen Ausstellungen: ‚The National‘ (2017, Art Gallery of NSW), ‘Defying Empire: 3rd National Indigenous Art Triennial’ (2017, National Gallery of Australia) und ‚Sovereignty‘ (2016, ACCA). 2016 wurde Cope eingeladen, Installationen für ‚Frontier Imaginaries‘ (QUT Art Museum, Al-Ma’mal Foundation for Contemporary Art, Jerusalem) zu erschaffen. Neben Tracey Moffat stellte sie in ‚Bereft‘ eine Einzelausstellung skulptureller und Videoarbeiten bei Artspace Sydney aus. Auch im Jahr 2016 wurde sie Teil einiger wichtigen institutionellen Ausstellungen, inkl. ‘The Fraud Complex’ (West Space), ’Another Day in Paradise’ (Campbelltown Arts Centre), ‘Proppanow’ (Footscray Arts Centre) und ‘Revisioning Histories’ (Bundoora Homestead). Cope ist Mitglied des Aborigine Kunstkollektivs proppaNOW.

Carl Gerber, geboren 1985 in Mainz, studierte von 2007-2013 Drehbuch an der Filmhochschule Ludwigsburg. Während des Studiums entstanden nach Carls Buchvorlagen preisgekrönte Kurzfilme, darunter Synkope, der für den deutschen Kurzfilmpreis nominiert war. Seine Kurzgeschichten Die Untersuchung des Auges und Erster Erster wurden im Primero Verlag veröffentlicht. 2012 war Carl an der türkisch-syrischen Grenze Leiter eines Filmworkshops für syrische Flüchtlingskinder und ist in Berlin Teil der Newsgroup Afghanistan, die Fotoausstellungen, ein Theaterstück und eine Buchpublikation zum Thema Heimat, Flucht und dem deutschen Asylprozess auf die Beine gestellt hat. Seit 2013 arbeitet Carl als Performance-Dramaturg in verschiedenen Konstellationen. Seine Arbeiten wurden in den Sophiensälen Berlin, im Ballhaus Ost Berlin und im Harburger Bahnhof u.a. gezeigt. Mit seinem ersten Langspielfilm 24 Wochen gelang ihm 2016 der einzige deutsche Beitrag im Wettbewerb der 66. Berlinale. Nach einer Festival- und Kinotour durch über 30 Länder wurde der Film 2017 vierfach für den deutschen Filmpreis nominiert, unter anderem für das beste Drehbuch. Der Film gewann die „silberne Lola“.

Archie Moore (Kamilaroi, Jahrgang 1970, Toowoomba, lebt in Brisbane) arbeitet medienübergreifend an Darstellungen von Selbst- und Nationalgeschichte. Zu seinen ständigen Interessen gehören die wichtigsten Merkmale von Identität – Haut, Sprache, Geruch, Heimat, Flaggen – sowie die Grenzen von interkulturellem Verständnis und Missverständnis, einschließlich der umfassenderen Bedeutung von Rassismus. Unsicherheit ist ein ständiges Thema, das sein väterliches Kamilaroi-Erbe betrifft. Moore schloss 1998 seinen Bachelor of Visual Arts an der Queensland University of Technology ab. Im Jahr 2001 erhielt er das Millenial Anne & Gordon Samstag International Visual Arts Stipendium, das ihm ein Studium an der Akademie der Bildenden Künste in Prag ermöglichte. Seit zwei Jahrzehnten veranstaltet er regelmäßig Einzelausstellungen seiner Arbeiten in Universitäten, gemeinnützigen und kommerziellen Galerien in ganz Australien und wurde zu einer Einzelausstellung in Japan und einer Doppelausstellung in Großbritannien eingeladen. Er wurde für die 3. National Indigenous Art Triennale und die 20. Biennale in Sydney beauftragt.

Sonya Schönberger verbindet in ihrer künstlerischen Praxis ihre Studien der Ethnologie und der Experimentellen Mediengestaltung. In den letzten acht Jahren hat sie mittels eines Langzeitprojektes ein Archiv aufgebaut, für das sie in Deutschland, den USA und Israel mit Zeitzeugen des Zweiten Weltkriegs Gespräche im privaten Rahmen führte. Mit Hilfe dieses ‘Archiv der Erinnerungen’ untersucht sie die Auswirkungen der Traumata einer Nation auf die nachfolgenden Generationen. Die Künstlerin bedient sich bewusst und je nach Projekt unterschiedlicher Medien wie Fotografie, Theater, Film, Installation oder Audioformaten.

Sumugan Sivanesan (Sydney/Berlin) (Berlin/Sydney) ist ein antidisziplinärer Kulturproduzent. Seine Interessen reichen von der Geschichte des Antikolonialismus über aktivistische Medien, Lebensgemeinschaften (‚intentional communities‘) und belastbare Netzwerke bis hin zu nicht-menschlichen Rechten und Ausrottungen. Gemeinsam mit der (ehemaligen) Flüchtlings- und Medienfigur Sanjeev `Alex‘ Kuhendrarajah (2013-2018) arbeitete er an einer Reihe von Texten und Kunstwerken, um die ‚richtigen Prozesse‘ der Flüchtlingsbestimmung und Neuansiedlung zu kritisieren. Mit der Künstlerin und Schriftstellerin Tessa Zettel begann er das künstlerisch/urbane Forschungsprogramm ‚Plan Bienen‘ (2014-laufend), um über die Überschneidung von schwindender Bienenpopulation und wirtschaftlicher Prekarität in der Kulturhauptstadt Berlin zu spekulieren. Er war Teil des experimentellen Dokumentarfilmkollektivs theweathergroup_U (2008-2012), das an der Zusammenführung der aufkeimenden Kohlenstoffwirtschaft und der Landrechte der Aborigines in Australien arbeitete, und der Medien/Kunstgruppe boat-people.org (2001-ongoing), die öffentliche Interventionen und Veranstaltungen initiierte, um sich mit den drastischen Grenzpolitiken und nationalistischen Narrativen der aufeinanderfolgenden australischen Regierungen auseinanderzusetzen. Er promovierte am Forschungszentrum Transforming Cultures der University of Technology Sydney (2014) und war Postdoc am Institut für Anglistik und Amerikanistik (Kulturwissenschaften) der Universität Potsdam (2016).

Simone van Dijkens (DE) Arbeit besteht aus Schreiben, Malen, Zeichnen und Performances und hinterfragt derzeit Hierarchien und Verwundbarkeiten in Bezug auf den Körper. Van Dijkens eigene physische Präsenz und Stimme sind der Ausgangspunkt, um den Körper als eine symbolische und politische Einheit zu verstehen, die von Geschlecht, Machtdynamik und Kleidung – oder besser gesagt, einer Schutzfunktion – geprägt ist. Indem sie immer wieder ähnliche Elemente malt, die der räumlichen und emotionalen Umgebung entnommen sind (z.B. ein gebrauchter V-Ausschnitt Pullover), generiert und überarbeitet sie deren visuelle Vertrautheit und lässt deren Wiedererkennung verblassen. Assoziative Überkreuzungen werden geschichtet: Sprühfarbe über Ölfarbe, Asche über Pigmente. Ihre Performances sind Collagen aus gesprochenem Wort und Gitarrengeräuschen. Simone van Dijken war kunstwissenschaftliche Mitarbeiterin an der Jan van Eyck Akademie in Maastricht, Niederlande, und erhielt das niedersächsische Dorothea-Erxleben-Stipendium für Malerei. Sie war Gastdozentin an der Universität der Künste in Braunschweig. Sie lebt und arbeitet in Berlin.

Khadija von Zinnenburg Carroll ist Künstlerin, Autorin und Professorin für Globale Kunstgeschichte an der Universität Birmingham. Ihre Praxis untersucht, wie man ethisch und experimentell in neoliberale Institutionen eingreift. Diese Form des institutionellen Aktivismus, zusammen mit dem Einsatz ortsspezifischer Installationsstrategien, hinterfragt den Einfluss des Marktes auf Kunst und Forschung und reflektiert die Schnittpunkte beider durch Performance, Videoarbeiten und Bücher. Khadija ist die Autorin der Bücher Art in the Time of Colony; Botanical Drift: Plant Protagonists of the Invasive Herbarium; und The Importance of Being Anachronistic. Ihre Arbeiten über Überwachung, Asyl und Botschaften wurden bei Savvy Contemporary Berlin, dem Haus der Kulturen der Welt Berlin, und Silve Sehnsucht (Frieze London) gezeigt. Als Expertin für zeitgenössische Kunst und Kolonialismus sowie Museums- und Sammlungsgeschichte hat sie an der Harvard University über die Aneignung des kolonialen Archivs promoviert. Ihre Installationen und Texte wurden auf der Biennale von Venedig, der Biennale von Marrakesch und der Silver Sehnsucht ausgestellt. Sie ist Stipendiatin der British Academy und der Humboldt Stiftung und Herausgeberin der Zeitschrift Third Text.

 

autor*innen

Ben Gook (AU/DE) ist Postdoktorand der Alexander-von-Humboldt-Stiftung an der Humboldt Universität Berlin. Er ist Honorary Fellow der School of Social and Political Sciences an der University of Melbourne. Er promovierte 2014 in Sozialtheorie und Kulturwissenschaften an der University of Melbourne. Er erforscht die zeitgenössische Politik, Wirtschaft und Kultur mit dem Fokus auf den gesellschaftlichen Wandel nach dem Fall der Berliner Mauer. Sein erstes Buch ist Divided Subjects, Invisible Borders: Re-unified Germany after 1989 (London: Rowman & Littlefield, 2015). Er hat auch über die australische Kultur geschrieben, darunter „Australian Postcolonial Trauma and Silences in Samson and Delilah“, Scars and Wounds: Trauma on Film in National and International Contexts, 2017) und „…With Ears for Landscape: Australian Soundscapes“, Crossings (2006). Sein Essay „Lest we Forget; Let us Forget“ (2013) antwortete auf Nothing to See Here von Amy Spiers und Catherine Ryan beim Underbelly Arts Festival in Sydney.

Raelee Lancaster  ist eine in Brisbane lebende Dichterin und Forschungsassistentin an der Macquarie Universität. Sie performte bei literarischen Veranstaltungen und Festivals in ganz Australien. Ihre Arbeiten wurden u.a. in Rabbit, Scum Mag, und Voiceworks gedruckt und online veröffentlicht. Im Jahr 2018 erhielten Lancasters Gedichte den ersten Preis für die ‚Nakata Brophy Short Fiction and Poetry Prize for Young Indigenous Writers‘. Lancaster ist auf dem Land der Awabakal-Bevölkerung aufgewachsen und hat Verbindungen zu der Wiradjuri-Nation.

Sarah Keenan ist Senior Lecturer an der Birkbeck Law School und Co-Direktorin des Centre for Research on Race and Law. Ursprünglich in Australien als Rechtsanwältin ausgebildet, nutzt sie in ihrer Forschung feministische und kritische Rassentheorien, um Fragen von Raum, Eigentum und Identität zu überdenken. Ihr Buch Subversive Property: Law and the Production of Spaces of Belonging wurde 2014 von Routledge veröffentlicht und sie ist derzeit Leverhulme Fellow mit ihrem Projekt Making Land Liquid: The Temporality of Land Title Registration.

Peter Monteath ist Professor für Geschichte an der Flinders University in Adelaide. Er lehrte an der University of Queensland, der Deakin University, der University of Western Australia, der University of Adelaide und der Flinders University. Außerdem war er Gastprofessor an der University of St. Louis Missouri und der Technischen Universität Berlin, wo er Alexander-von-Humboldt Fellow war. Seine Forschungsinteressen liegen in den Bereichen der deutschen und australischen modernen Geschichte und in den Verbindungen zwischen beiden. Sein bekanntestes Buch ist POW: Australian Prisoners of War in Hitler’s Reich (Sydney 2011). Im Jahr 2015 veröffentlichte er zusammen mit der Co-Autorin Valerie Munt eine Biographie des Anthropologen Fred Rose unter dem Titel Red Professor: The Cold War Life of Fred Rose. Das Buch, das auf umfangreichen Arbeiten in australischen und deutschen Archiven basiert, wurde 2016 für den Geschichtspreis des Premierministers nominiert. Derzeit lehrt und forscht Peter Monteath an der Flinders University und ist Präsident des History Council of South Australia.

Nathan „mudyi“ Sentance ist Wiradjuri und kreativer Produzent, der sich dafür einsetzt, dass die kulturellen und historischen Erzählungen, die von Kultur- und Gedächtnisinstitutionen, wie Galerien, Bibliotheken, Archiven und Museen (GLAM) vermittelt werden, eine Perspektive der ersten Nationen haben und dass die Geschichten der ersten Nationen von den Menschen der ersten Nationen erzählt und kontrolliert werden. Damit sollen die Verzerrungen und Fehlinterpretationen der Aborigine Kultur und Aborigine Völker, die zuvor von den GLAM-Institutionen verbreitet wurden, ausgeglichen werden. Nathan war auch Teilnehmer des 2017 Wesfarmers/NGA Indigenous Arts Leadership Programms und ist derzeit der Organisator der Australian Society of Archivists, Aboriginal and Torres Strait Islander Special Interest Group. Er produzierte Ngalu Warrawi Marri (wir bleiben stark), die Invasion Day Protestveranstaltung im Australian Museum, half bei der Kuratierung der kommenden Gadi Ausstellung im Australian Museum und ist als Redner der Museums Galleries Australia Conference für 2018 eingeladen.

 

kuratorische beratung

Rachel O’Reilly (Brisbane/Berlin) ist eine Künstlerin, Schriftstellerin, Kuratorin und Lehrende (Niederländisches Kunstinstitut), deren Arbeit die Beziehungen zwischen Kunst und verorteter kultureller Praxis, ästhetischer Philosophie und politischer Ökonomie untersucht. Sie war Resident an der Jan van Eyck Academie, Kuratorin an der Australian Cinematheque und der Fifth Asia Pacific Triennial of Contemporary Art, wo sie die Filme von Kumar Shahani archivierte, und in jüngster Zeit war sie als Co-Kuratorin tätig von ‘Infrastructural Rifts: Souls and Soils of Disaster Developmentalism’ für die DAI Roaming Academy und ‘Planetary Records: Performing Justice between Art and Law’ für die Contour Biennale, Mechelen. Zu den Veröffentlichungen gehören: Neutralität: Aus dem Brief von Melos an die blockfreien Bewegung(en) mit Jelena Vesic (Haus der Kunst Goethe Fellow) und Vladimir Jeric Vlidi, und Infrastrukturen der Autonomie an der Berufsgrenze: Kunst und der Boykott von/als Kunst, mit Danny Butt, Journal of Aesthetics and Protest. Ihre künstlerische Arbeit und Forschung über unkonventionellen Extraktivismus wurde am Institute of Modern Art, Eflux, Van Abbemuseum, Qalandiya International, Savvy Contemporary, Tate Liverpool und als Teil von Frontier Imaginaries präsentiert. Ihr Engagement für die kuratorische Ethik wird durch ihre beratende Funktion in der Place, Ground and Practice Group der International Society for Electronic Arts und ihre Einladung zu Future South(s), ein Online-Dialognetzwerk von Künstlern, Kuratoren, Theoretikern und Historikern der UNSW, deutlich. Ihre Arbeiten wurden von Cambridge Scholars Press, MIT Press, Postcolonial Studies, Eflux Journal und in vernetzten E-Books veröffentlicht.

 

ORGANISATion

Sonja Hornung ist bildende Künstlerin. Sie ist in Melbourne, Australien, aufgewachsen und hat dort studiert. Im Jahr 2012 zog sie nach Berlin, um einen Master an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee zu machen (Abschluss 2016). In ihrer künstlerischen Praxis, die sich zwischen Installation, öffentlichen Performances, Siebdruck und Zeichnung bewegt, versucht sie, emanzipierte Formen in bereits bestehende Ordnungen einzufügen. Seit 2012 versuchte sie zwei Jahre lang, Botschaften davon zu überzeugen, ihre Nationalflaggen durch eine Fahne ohne Bedeutung zu ersetzen (Emptying Flags, Neue Berliner Räume, 2012-2014). Ihre Arbeiten wurden seither in Institutionen und Projekträumen wie Forum Stadtpark (2018, Graz), Art Encounters Biennale (2017, Timisoara), Kunstverein Harburg (2017), Bonn Theater (2017), District Berlin (2016), Maxim Gorki Theater (Berlin, 2016), Ivan Gallery (Bukarest, 2015), Kunsthaus Dahlem (Berlin, 2015) und Friday Exit (Wien, 2014) gezeigt. Sie erhielt das Melbourne National Scholarship (2005-10) und das Mart Stam Studio Scholarship (2016) und wurde von der Australian Copyright Agency (2015), der European Cultural Foundation (2015), der Kunstförderung Steiermark (2017-18) und dem DAAD (2009-10, 2015, 2016) gefördert. Außerdem hat sie Rezensionen und kulturelle Kommentare für die Frieze, Berlin Art Link, Artleaks Gazette und ArtSlant Berlin geschrieben.